Skills: Componentes de un gráfico
No sabía como llamarlos, si componentes, elementos, o lo que sea. El caso es que un gráfico normalmente se compone de varios elementos básicos y, entender esto, nos puede ayudar a ser mejores cuando creamos arte, tanto 2D como 3D y especialmente en el mundillo de los videojuegos. Hablamos de cuatro componentes básicos: Silueta (o forma), color, textura y sombra (o clarooscuro).
1. Silueta o forma: En juegos como Limbo hemos podido ver como muchas formas son reconocibles simplemente por una silueta en color negro. Además hay artistas que trabajan en la creación de gráficos partiendo de una imagen en negro del perfil del personaje, vehiculo o lo que sea que estén dibujando. Se trata precisamente de eso, ser capaces de diseñar arte que sea perfectamente reconocibles por su forma exterior nos puede ayudar a crear personajes y objetos que ganan en interés, dinamismo y que además interactuan mejor con los cambios que el entorno realiza sobre ellos (por la iluminación, por ejemplo).
2. Color: El color (que también pueden ser tonos de grises, blancos o negros) añade detalle y realismo a nuestras creaciones, convierte todo en algo más “simpatico” o más “tenebroso” dependiendo del uso que hagamos de él. Estamos acostumbrados a verlo en el día a día, pero podemos usarlo también en variaciones de tonos que no vemos normalmente para alejarnos del mundo real e irnos a lo fantástico (colores muy vivos para crear dibujos animados, por ejemplo).
Este elemento esta formado a su vez por otros (sus componentes), que son: Tono (el color en sí, es decir, rojo, verde, azul…) , Saturación (un color más saturado es más puro y vivo, mientras que un color menos saturado tiende al más al gris) y brillo (si añadimos blanco al color tendrá más brillo, si le quitamos y tendemos al negro será más “oscuro”).
3. Sombra o clarooscuro: El efecto que causa la luz sobre los objetos que nos rodean. Un brillo por aquí, una sombra en esa zona donde no da la luz… Depende por tanto de la iluminación que reciba el objeto, tanto de la situación de la fuente de luz que incide sobre él como de la intensidad con que lo ilumina. El caso es que hace realistas nuestras creaciones y pueden incluso darle volumen.
4. Textura: Rugosidades, arañazos, bultos, etc. Es algo a lo que estamos acostumbrados a sentir con el tacto pero que también vemos (sobretodo en el mundo de los videojuegos) de forma visual. Es el último paso para el realismo, aunque si queremos irnos hacia lo fantástico podemos recurrir a su “ausencia” (colores planos sin textura para dibujos animados). Pongo ausencia entre comillas por que siempre es bueno incluir algún tipo de textura por sutil que sea (para añadir suciedad, manchas y otros efectos, por ejemplo).
Así, entendiendo estos cuatro elementos que componen nuestro arte podemos trabajar uno por uno para crear gráficos para nuestros juegos que dejen mejor sensación al usuario que si los crearamos obviandolos. Debemos ser conscientes al menos de que existen y entonces seremos capaces de mejorar nuestros dibujos y modelos. Nada de pintar de rojo y ya está, nada de poner cuatro sombras y pasando, mejor seamos capaces de tener en cuenta los detalles, saltandonos solo lo que no sea necesario para el estilo que deseamos.
1. Silueta o forma: En juegos como Limbo hemos podido ver como muchas formas son reconocibles simplemente por una silueta en color negro. Además hay artistas que trabajan en la creación de gráficos partiendo de una imagen en negro del perfil del personaje, vehiculo o lo que sea que estén dibujando. Se trata precisamente de eso, ser capaces de diseñar arte que sea perfectamente reconocibles por su forma exterior nos puede ayudar a crear personajes y objetos que ganan en interés, dinamismo y que además interactuan mejor con los cambios que el entorno realiza sobre ellos (por la iluminación, por ejemplo).
2. Color: El color (que también pueden ser tonos de grises, blancos o negros) añade detalle y realismo a nuestras creaciones, convierte todo en algo más “simpatico” o más “tenebroso” dependiendo del uso que hagamos de él. Estamos acostumbrados a verlo en el día a día, pero podemos usarlo también en variaciones de tonos que no vemos normalmente para alejarnos del mundo real e irnos a lo fantástico (colores muy vivos para crear dibujos animados, por ejemplo).
Este elemento esta formado a su vez por otros (sus componentes), que son: Tono (el color en sí, es decir, rojo, verde, azul…) , Saturación (un color más saturado es más puro y vivo, mientras que un color menos saturado tiende al más al gris) y brillo (si añadimos blanco al color tendrá más brillo, si le quitamos y tendemos al negro será más “oscuro”).
3. Sombra o clarooscuro: El efecto que causa la luz sobre los objetos que nos rodean. Un brillo por aquí, una sombra en esa zona donde no da la luz… Depende por tanto de la iluminación que reciba el objeto, tanto de la situación de la fuente de luz que incide sobre él como de la intensidad con que lo ilumina. El caso es que hace realistas nuestras creaciones y pueden incluso darle volumen.
4. Textura: Rugosidades, arañazos, bultos, etc. Es algo a lo que estamos acostumbrados a sentir con el tacto pero que también vemos (sobretodo en el mundo de los videojuegos) de forma visual. Es el último paso para el realismo, aunque si queremos irnos hacia lo fantástico podemos recurrir a su “ausencia” (colores planos sin textura para dibujos animados). Pongo ausencia entre comillas por que siempre es bueno incluir algún tipo de textura por sutil que sea (para añadir suciedad, manchas y otros efectos, por ejemplo).
Así, entendiendo estos cuatro elementos que componen nuestro arte podemos trabajar uno por uno para crear gráficos para nuestros juegos que dejen mejor sensación al usuario que si los crearamos obviandolos. Debemos ser conscientes al menos de que existen y entonces seremos capaces de mejorar nuestros dibujos y modelos. Nada de pintar de rojo y ya está, nada de poner cuatro sombras y pasando, mejor seamos capaces de tener en cuenta los detalles, saltandonos solo lo que no sea necesario para el estilo que deseamos.
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